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爵士乐与超现实主义

相比脱胎于1950年代的摇滚乐,爵士乐的历史更为悠久,同时也更早地将绘画大师的作品印到唱片封面上.1955年,Thelonious Monk推出了一张翻奏Duke Ellington创作作品的专辑《Plays Duke Ellington》,其封面正是法国画家亨利卢梭(Henri Rousseau)的作品《The Repast of the Lion》.在爵士乐史上,Thelonious Monk是继Duke Ellington之后录制专辑最多的音乐家,即便后者一生中创作了1000多首作品,而Monk只创作了70首作品左右.而且,二人也是登上《时代》杂志封面仅有的五位爵士音乐家中的两位(其他三位为Louis Armstrong、Wynton Marsalis和Dave Brubeck).在专辑中,Duke Ellington精致、复杂的曲调得到了素以演奏棱角分明著称的Thelonious Monk的完美诠释,使之成为众多翻奏Duke Ellington作品中的佼佼者.卢梭作为一位极具超现实主义色彩的艺术家,Monk选择他的作品作为封面或许并没有特定的目的,但是却使得以超现实主义为主的现代绘画逐渐进入爵士乐的视野.以至于1958年,Monk发行了一张名为《Misterioso》现场录音专辑,这一次,意大利超现实主义画家乔治德基里科(Ciio de Chirico)的作品《The Seer (or The Prophet)》成了专辑的封面.


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与Monk相比,另一位美国爵士乐巨匠Dave Brubeck同样弹奏钢琴,但音乐风格却大异其趣:前者以比波普(Bebop)和硬波普(Hard Bop)见长,后者则以冷爵士(Cool Jazz)或西海岸爵士(West Coast Jazz)著称;前者激情洋溢、节奏鲜明,后者温润舒缓、点到为止.尽管如此,二人对美术作品的偏爱却有几分殊途同归.1959年,Dave Brubeck四重奏乐队发行了爵士乐史上最经典的专辑之一《Time Out》,其中一曲《Take Five》以其5/4的拍子一举颠覆了人们一成不变的听力习惯,加之专辑中其他曲目中频现的9/8、6/4等非常规爵士乐节拍,《Time Out》对后世探索爵士乐节奏的可能性产生了深远的影响,并且攀升至了1961年Billboard流行专辑销量榜的第二位.与之相配的是,专辑的封面采用了西班牙超现实主义大师杰昂米罗(Joan Miró)的绘画作品,作为达达主义艺术运动中的一员,米罗反对一切传统和理性主义,这与《Time Out》锐意突破传统爵士节奏的做法可谓相得益彰,乃至Dave Brubeck1961年发行《Time Further Out》时,再一次使用米罗的作品作为专辑封面(米罗的作品还出现在了另一位爵士大师Charles Mingus的专辑《Mingus Ah Um》上).


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但就如美术风格不断向前演进,爵士乐在1960年代也迎来了自由爵士(Free Jazz)的浪潮.1961年,萨克斯演奏家Orte Coleman发行了第六张个人专辑《Free Jazz: A Collective Improvisation》,宣告了自由爵士运动的到来,爵士乐也由此步入了崭新的空间.相比于其他流派,自由爵士反对爵士乐的一切传统,极力“破坏”音乐的结构和调性,重新建立了一套松散、自由的集体演奏方式,

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6825;种抽象的美学标准将爵士乐推向了一种“无法之法乃为至法”的境界.与这张专辑相映成趣的是,其封面采用了美国抽象表现主义艺术家杰克逊波洛克(Jackson Pollock)的绘画作品《The White Light》.虽然这幅作品只占了封面中的一角,但是在专辑内页中则可以看到它的全貌.与自由爵士相似,波洛克著名“滴画”在创作时没有草图,仅由一系列即兴的动作完成作品.同时,他也摒弃了传统的绘画工具,随意在画布上泼洒颜料,甚至用石块、沙子、铁钉和碎玻璃掺和颜料在画布上摩擦.如果说自由爵士依赖的是乐手之间的精神合作,那么波洛克更强调人与颜料、画布、工具的精神契合,但构成两种艺术形式的经验、感悟以及身体性可谓殊途同归.

现代音乐与古典艺术

无论爵士乐还是摇滚乐,基本上都是20世纪的产物,加之两种音乐风格骨子里的反传统特性,使得这些音乐家在选择美术作品时也紧跟时代风潮,大多数都选择了现代艺术作品.但是其中也有例外,有些乐队偏偏选择了西方古典艺术作品(此古典艺术只是一个宽泛的概念,仅针对现代艺术而言),一一对照下来,二者也有某种联系.

1977年,重金属的先驱乐队之一Black Sabbath发布了一张精选集《Greatest Hits》,其封面就使用了尼德兰画家彼得勃鲁盖尔(Pieter Bruegel)的作品《The Triumph of Death》.Black Sabbath虽然不是重金属摇滚的首创者,但是却被很多人称为历史上最具影响力的重金属乐队.他们吸收了1960年代布鲁斯摇滚的血脉,但同时放慢音乐节奏、加重贝斯,突出吉他独奏以及倾吐内心痛苦的嚎叫式人声,由此创造了一种风靡几十年的音乐风格,主唱Ozzy Osburne因此也被誉为“重金属教父”和“黑暗王子”.乐队成立之初,尽管嬉皮运动刚刚过去不久,但Black Sabbath在音乐主题上却走向了“和平与爱”的反面,直面当时“冷战”高压下的死亡恐惧和末世论风潮,加之其他作品对宗教和神秘主义的涉及,以勃鲁盖尔这张死亡主题的作品作为专辑封面也就不足为奇了.

1980年,英国后朋克乐队Joy Division主唱Ian Curtis自杀身亡,但是传奇并未因此结束,乐队余下成员另组新乐队New Order,并且成功转型,成为1980年新浪潮(New Wave)和电子乐坛中最有影响力的乐队.1983年,New Order发布了第二张专辑《Power, Corruption & Lies》.最初,封面设计师Peter Saville想使用一张文艺复兴时期有关黑暗贵族主题的作品,以贴合专辑标题的政治性,但是没有找到合适的作品.一天,Saville在英国国家美术馆捡到了一张明信片,上面印的是法国画家亨利方丹-拉图尔(Henri Fantin-Latour)的作品《A Basket of Roses》,在女朋友的提示下,Saville觉得将之用作专辑封面是一个好主意,因为他觉得权力、腐败、谎言逐渐渗透进人们的生活,就像鲜花一样充满了诱惑性.不过,版权问题也接踵而至,作为英国国家美术馆的永久性收藏之一,这幅作品的所有者为英国国家文化遗产信托(The National Heritage Trust),他们反对Factory唱片公司使用它.Factory的老板Tony Wilson打给国家美术馆主管,询问谁是这幅作品的拥有者,得到的答复是国家文化遗产信托属于全英国人民.Wilson于是给出了那句著名的答复:我相信人民需要它.对方只能回答:如果你这么说,我肯定我们可以开个特例.于是,这张作品最终印到了《Power, Corruption & Lies》的专辑封面上.

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除此之外,英国著名独立唱片品牌4AD旗下的乐队Dead Can Dance在1990年发行了专辑《Aion》,封面使用了荷兰画家希罗尼穆斯博斯(Hieronymus Bosch)的《The Garden of Earthly Delights》的局部.Dead Can Dance本身就是一支神秘的乐队,创作、录音时几乎完全与外界隔绝,而这张专辑在风格上本身就是新古典主义和文艺复兴音乐的结合,透露出自中古世纪至文艺复兴时期,宗教音乐以及美学观念对他们的深厚影响.博斯的作品描绘了天堂、夏娃的创造、最初的诱惑三个画面,非常符合Dead Can Dance不食人间烟火的气质.另外,加拿大死亡金属乐队Cryptopsy1996年发行了名为《None So Vile》的专辑,封面使用了17世纪意大利巴洛克女画家伊丽莎白西拉尼(Elisabetta Sirani)作品,描绘了希罗底(Herodias)手托施洗者约翰(John the Baptist)人头的画面,联想到死亡金属强烈的反宗教意识,这样直来直去的搭配倒也来得贴切.

唱片上的摄影艺术

相比于绘画,摄影艺术很早便进入了唱片封面设计的领域.1972年,The Rolling Stones发布了专辑《Exile on Main St. 》,封面来自现代摄影教父罗伯特弗兰克(Robert Frank)的作品.作为新纪实摄影的伟大“旗手”,弗兰克同时还是一位电影导演.同一年,The Rolling Stones开始了他们的北美巡演,弗兰克用摄像机忠实记录了乐队72小时的演出经历,甚至连乐队吸毒和群交的场面也一并收录在内.这部影片最终被命名为《Cocksucker Blues》,乐队主唱Mick Jagger在看过最终剪辑过的版本之后对弗兰克说,“这真他妈是一部好影片,但是如果在美国公映的话,我们再也不会被允许进入这个国家了.”因此,这部电影最终也没有获得正式公映的机会.不过,弗兰克与摇滚乐的关系也未就此结束,此后,他还分别执掌过New Order乐队的《Run》和Patti Smith的《Summer Cannibals》的MV.

不过,若说最善用摄影作品作为唱片封面的,那非美国萨克斯手、先锋爵士领袖John Zorn领衔的乐队Naked City莫属.作为美国最激进的实验摇滚乐队,Naked City采用摇滚乐队的编制,不断挑战着作曲和即兴演奏的极限,乐队风格也横跨爵士、古典、重金属、碾核、乡村、朋克等等.1989年,乐队发行了同名首张专辑,封面来自美国摄影家维吉(Weegee)1943年的作品.1930年代,身为自由摄影记者的维吉拍摄了大量纽约的罪案照片,后来在1945年集结成册,名字就叫做《赤裸的城市》,此幅作品就是其中之一,与乐队和专辑名称堪称完美的统一(维吉的作品还曾出现在英国歌手Gee Michael1990年的专辑《Listen Without Prejudice Vol.1》的封面上).随后,Naked City在1993年和1997年又分别推出了专辑《Radio》和《Absinthe》,专辑封面又分别使用了美国摄影家曼雷(Man Ray)的摄影作品和德国艺术家汉斯贝尔默(Hans Bellmer)的雕塑作品,尽管作者和艺术形式不同,但在整体上都保持了乐队在封面设计上一贯的阴暗、冰冷和超现实的风格.不过,John Zorn自己的唱片却有着不同的风格,1998年,他推出了个人第17张专辑《Aporias: Requia for Piano and Orchestra》,封面就使用了英国绘画大师弗朗西斯培根(Francis Bacon)的作品.

另一个不得不提的是爱尔兰乐队U2发表于2009年的专辑《No Line on the Horizon》,封面启用了日本摄影家杉本博司(Hiroshi Sugimoto)的作品《Boden Sea》,后者直接激发了乐队主唱Bono创作出了专辑同名歌曲.乐队与杉本博司达成了一项协议,他们可以使用这张作品作为专辑封面,而后者则可以将《No Line on the Horizon》这首作品用在未来的项目上.此外,杉本博司还有一个要求,就是封面上不能出现任何文字.这使得这张专辑最初版本的封面上只有一个附加的“等号”,后来的版本连这个“等号”都去掉了.不过,这张作品并非首次被使用,早在2006年,它就出现在了Richard Chartier和Taylor Deupree合作的专辑《Specification.Fifteen》封面上,而且上面还有一条乐手和专辑的名字.为此,Deupree还指责U2的专辑涉嫌金钱交易,但被杉本博司予以否认.

大不列颠入侵

提起摇滚乐,怎能忽视了披头士乐队(The Beatles)?作为上世纪六十年代英国音乐“入侵”美国的代表性乐队,披头士脱胎于1950年代的摇滚乐之后,开拓了迷幻摇滚、流行摇滚、民谣摇滚等多种曲风,其创新性影响了之后整个欧美乐坛的发展.而随着其作品社会意识的逐渐加深,其影响力更是延伸到1960年代的社会及文化革命之中.此外,他们还是商业上最成功的乐队,据美国唱片工业协会统计,披头士在美国的唱片销量超过了1.7亿张,据信在全球的销量更是超过了10亿张.

2003年,著名摇滚乐杂志《滚石》评选出了“史上最佳500张唱片”,披头士以最多的11张专辑入围,并且在前10名中占据了4个席位,而排在榜单头一位的便是他们1967年的专辑《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》(它也是众多“最佳”榜单中排名第一次数最多的专辑),而它的封面设计者正是英国波普艺术大师彼得布莱克(Peter Blake).他将乐队四人的形象拼贴于众多历史人物之中,强烈的视觉感染力使之很快成为人们称颂和模仿的对象.紧随其后,披头士又于1968年发行了另一张名垂青史的专辑《The Beatles》,封面设计者又换成了英国另一位波普艺术大师理查德汉密尔顿(Richard Hamilton).但是,与汉密尔顿众多花里胡哨的拼贴作品不同,这张封面简约得只是一片纯白的背景以及乐队名字和专辑序列号,堪称封面设计中的经典之作,以致几十年来乐迷都约定俗成地以“白专辑”称呼它.至此,两位英国“波普艺术教父”与英国“摇滚乐教父”完成了摇滚史上最精彩的两次对话.

披头士的吉他流行乐逐渐成为了英国音乐的传统,加之上世纪六七十年代其他乐队不断改进,终于在1990年代初迎来了英式摇滚(Britpop)的爆发,而Blur乐队就是其中的代表.2000年,他们发表了精选集《The Best of Blur》,英国画家和雕塑家朱利安奥皮那(Julian Opie)专门为唱片封面绘制了一幅乐队4名成员的卡通肖像,

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